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吴子英不会画画_艺术家资讯_雅昌新闻,郭有河_艺术家资讯_雅昌新闻
浏览: 发布日期:2020-04-19

创作来源于生活,只有下基层画了大量的写生作品才能在创作中发挥作用,否则,就是闭门造车,经不住时间的考验,所以写生是创作的基础和生命之源。

看题目,你笑了吧? 公认广州青年山水高水不会画画?玩笑开大了吧?

步入人生壮年的洪浩昌先生,近年来声名渐显。我有幸获读他将要出版的画集,其中收录了他曾经展出和发布过的一些代表作品,也有不少新作,使我获得极大的艺术满足。这位出生于云南昭通、求学于杭州中国美术学院、活跃于北京画坛的著名画家,在这部将要出版的画集中,展示了他卓越的艺术才华。

油画是一种外来的艺术,如何使油画与中国文化融为一体,是无数中国画家孜孜以求的目的。为此,不少人耗尽了毕生的心血,付出了青春乃至生命的代价。然而,这条路太难了。多如过江之鲫的探索者中,取得成功的可谓凤毛麟角。对这场旷日持久的攻坚之战,用一将功成万骨枯来形容,是一点也不过分的。因为,这要求成功者必须具有中国文化的深厚底蕴同时又能纯熟地掌握西方油画的各种技法,在生命与激情的燃烧中,以心血为炉,熔化、冶炼、提纯,最后涅盘出浴火重生的凤凰。

下面主要谈谈写生中要注意的几点问题:

雷铎正色答曰:非也。

我读他的作品,有三点深刻的印象。

画家洪浩昌就是这泱泱大军中,少数出类拔萃的成功者之一。

1、基础理论和绘画技法在写生时要能融合在一起。

且听我慢慢道来。

一是他的视角。不是中国传统的三远,也不是西方的焦点透视,而是他画中所葆有的那双透视世界的慧目。用他的话说,要在绘画里,像帝王一样俯视世界,超群绝伦,俯览时物。

1973年浩昌出生于云南昭通洒渔河畔的靖安乡,童年的他沐浴着高原的风,看着蓝天上的云朵长大。造化无形的手,通过四季分明的季节更替,神奇地变换着高原多姿的色彩。自然的牧歌与生存的艰辛,山川的魂魄与人生的苦难交相叠印,强烈撞击着他的心灵,同时也在冥冥中植下了艺术的基因。

在课堂上和教科书中列举的画法大都一样,但在真山真水面前,有的同学在写生时却无从下笔,面对大自然的风景时感到茫然。这是我带学生出去写生时最常出现的一些问题。这就需要我们在现实生活中,多观察、多临摹、多动脑、多画画,只有画了大量的写生作品在创作作品时才能做到运筹帷幄、得心应手、挥洒自如。

中西有两种画画:一是西人的油画,尤其古典油画,比如蒙娜丽莎,那是画出来的:点、线、面;光、影、形;透视、解剖、比例,这是其一;其二,中国人的画画,又分两种,比如唐代工笔人物画,虽用线,更用五彩,求象为上;

高原给他俯瞰的目,江南给他透视的心,北地给他超拔的势,他融其意而铸成此俯视之目。早年在云南生活,高原独特的透视性显然对他有启发。他在温润的江南走上艺术道路,南国的潇洒细腻中,也包含着刊落表相、直溯本真的气质,那粉墙黛瓦的黑白世界中就蕴涵着一种超脱。七年来居于北地,此地文化雄强博大的控制力,纵肆野逸的格调,对他也有影响。

作为大山的儿子,他本来可以选择另一条生存的道路,在蜿蜒的山道上走完自己的一生。但是灵魂深处不可抑制的冲动,使他不甘于平庸而渴望着自拔出来。上世纪90年代,他带着高原的泥土和风霜,同时也带着一个年轻人的野心和梦想,走出大山,走进烟雨江南,走进墨彩交辉的中国美院。这关键的一步,是他人生的苦旅,也是他文化的苦旅。苦寒封闭的故土和杏花春雨的江南,朴实木讷的乡亲与文采风流的师友,强烈的地域和人生反差,捶打着他的思想,激发出生命的潜能。

2、取舍得当,比例相宜。

第二种:市井工笔画,老太太全说画得真象,那葡萄还在滴水呢!

他的俯视,不是高自标置,而是横而不流,不为人的盲动所拘。他画人物活动的场景,总是高高地悬望而下,人在世界中是那样的渺小。在他看来,人的生命本来就脆弱而渺小,但人却迷惘地去征服世界,解释世界,控制世界,消费世界,这不是人与世界的真实关系。人本来就是世界的一分子,却常常将自己从世界中抽离出来,站在世界的对岸看世界,这是造成人生命困境的根本原因。他画人从世界的对岸回到世界中,依偎世界,谛听世界,融入世界,与世界相优游。他的画反映的是人与世界密合的关系,这是他在生命直觉中发现的,是他在人生的沉浮中发现的。看起来人的活动空间变小了,但人心灵腾挪的空间却变大了。这是浩昌先生的画尤应引起我们重视的亮点。

久渴的心愿,因文化的滋养而万绿齐萌;艺术的悟性,由环境的改变而豁然开启。在西子湖畔,他完成了生命和艺术的修炼。那是一个激情燃烧的岁月,那是一个春梦呓的年代。灵感的烈焰如火山迸发,创作的疯狂似惊涛裂岸。从2002年到2010年,他在杭州、无锡、上海、厦门、广州、北京、苏州、哈尔滨、烟台、香港等地举办了33场个展,参加了24场联展,出版了8本个人作品专集,四百余幅作品被美、日、法、瑞典、加拿大、意大利、新加坡、香港、台湾等国内外艺术博物馆、画廊、私人收藏。他声誉鹊起,作品获得了人们的广泛认同和赞誉。

我在武当山写生时,所描绘的南岩宫是建在大山的半山腰中,道路崎岖,在悬崖峭壁中营建的这所宫殿,画起来较难画。透视角度和裸露的山石肌理结构的问题,以及不知名的杂草树木,这都是一个课题,怎样才能把握住这幅作品的中心思想并用图解的形势表达出来呢?这就需要布局。画面中的楼宇不能太正,也不能太偏,这就需要一个度,也就是说位置得宜,比例正确,才能画出一幅好的作品。

中国人不会画画咋有今天一部煌煌大观的中国国画史?

他说,他不喜欢有风景、人物、静物等的区别,就是谨慎地避开人与世界的割裂感。他对景写生,笔下总是活泼的生命整体。他的画常常没有时间交代,也没有人具体活动的空间,没有天人的分隔,就这样整全地相融为一体。

各种原因,我以为就是浩昌在油画的中国化上走出了可喜的一步。他以纯熟的油画技法深层次地表达了中国艺术精神,把中国天人合一的审美理想融入到了自己的油画创作当中,他在艰辛的探索和实践中走出了一条油画的文人化和文人画的油画之路。

3、要有思想内涵。

答曰,唐宋高手,即便是画人(画家)画鱼也是兼画带写的;南宋之后,文人画大兴其道,渐渐衍为正宗,例如从苏东坡、米芾,到黄公望、文征明;从明清四僧到扬州八怪,他们是写画。

他的俯视,是要撕开世界之皮,看它的内囊。如他的云南回忆作品中,是一种活泼的心灵流程的追踪,高原的阳光、云霓、绿树、溪流,在这里并没有获得清晰的交代。他这组作品多是无云,无大地,无草色天涯,无溪水山体,具体的物还原为块面,块面又虚化为一缕清影,一缕他眼中的清影,一缕他心灵的影像。他的目的就不是呈现一个实用的物,也不是陈述一个对心的象,更不是以知识捏造一个具体的形,他以自己的大胆构造,打破世界的被构造。他知道,大自然中本无线条,人赋予其线条,大自然中的关系,并不以人的知识谱系所显示的那样而存在。

中国的文人画,滥觞于唐代,其鼻祖便是以禅入诗、以诗入画的王维,后经宋元的发展,至元四家的出现而趋成熟,到明清而达于高峰。文人画以儒、释、道思想为精神指归,以诗、书、画、印的结合为外在标志,重神、重韵、重意、重趣,讲外师造化,但更重内得心源,注目无我之境,但更凝神有我之境,讲究自然、简淡、空灵。文人画的这些特点,浓缩了国画的精髓,因此它往往成为中国画的代名词。

在经营位置的同时,对周围的环境如草和树木的取舍也很重要,要大胆的剔除不必要的杂草树木,同时对一山一石,一沟一壑要认真的推敲,随时对所描绘的景物进行调整,对山石的结构、纹理、阴阳向背等要处理得简单和明确,所有这一切都是为了突出创作的思想和你要表达的中心意思,不可盲目的对景照抄,取舍并突出内涵很重要。

文人写画,与画画何异?

俯视的目光造就了他绘画简洁的形式,他的画真合于老子所说的损之又损,以近于无为的精神。他常化磅礴的景为一角、一线,繁复的物被简化为极少的景,正是一木一石、千岩万壑不能过之的那种。如《那个冬天》,画一个灰色的早晨,雾中的世界,朦胧漫漶,极简洁,他所追求的东方式的精髓或许正在于此。如《山水间》作品NO.18,创作于他听闻祖父去世消息半小时后,绝望的情绪,幽秘的追忆,都付与快速的笔致所划出的几许颤抖的痕。

表面看,在浩昌明亮的眸子后,燃烧着野性的激情火焰,但其实在他的内心,深藏着一颗敏感而情深韵高的文人之魂。他生活的土地,他求艺的历程,他结交的师友,决定了中国文化的基因必然溶化在他的骨肉精血之中。所以他画出来的油画,虽不难看出西方浪漫主义、印象主义的影响,但更重要的是它散发着浓浓的东方情调、中国情调、中国的文人情调。

一幅作品从开头到结束,不管是大幅和小品,都是作者表达自己内心思想情感的再现。一幅作品它是生命中的一个载体,没有思想就意味着没有魂魄,如果作品本身不能打动和震撼自己的话,这幅画就是失败的。

曰:大异哉!

园林系列作品为他赢得极大的声誉。画江南园林建筑的画可谓多矣,为何他一些不经意的作品能独步春秋,就在于他的画抓住了江南园林的风神,就在于他在园林风物中融进了自己跌宕的情怀和生命的咏叹。我最喜欢此系列作品中的No.202,画面极简,一个假山湖边的胜景,意味深长,令人玩味不尽。

他善于用诗性的眼光,捕捉最能表现中国艺术审美情趣的题材。他笔下的江南水乡、苏州园林、高原风光、城市情景、花卉、树木无不深深打上他心灵的烙印。在中国人耳熟能详乃至熟视无睹的平凡事物中,开掘出不平凡的意境,使人耳目一新拍案惊呼回味无穷。这就是浩昌的本领。这种本领来源于对生命、生活的大爱,来源于艺术的敏感,因而他能触手成春。回廊、庭院、假山、流水、浮萍、野草、山花、草垛、树木、云朵、蓝天、湖泊、原野经过他心灵的酝酿、取舍、剪裁、增添、组合,重新成为了富于表现力的有意味的形象,成为他创造的第二自然。画有尽而意无穷,让人得到一花一世界,一叶一菩提的禅悦。

4、神情兼备,气韵生动。

写画者:一,须得书妙,方得能写;二、轻形重神,神中重笔,笔笔有来历,笔笔有看头,象北平老戏迷看京剧叫听戏,去了剧院闭着双眼听,听的就是这个演员(比如梅兰芳)的唱句或念白道白与盖叫天差别何在?韵味何在?因为比如《霸王别姬》剧情看了三十回,倒背如流了,还用看么?

老子说,为腹不为目不是以眼睛看,而是以生命直接体会。中国画以此为经世法则,浩昌先生的东方神韵也包含对此精神的参融。在他这里,没有抽象,没有具象,没有似与不似的斟酌,没有马一角夏半边的程式叙述。他的东方叙述,其实是一种真实的人性叙述,一种接近于禅的叙述,创造了一种新的看世界的眼光。这双慧目越明亮,他作品中所呈现的世界可能就越绮丽,就越有绘画性,就越能目可观之、心亦随之,二三素心人观之可相视一笑,画外之人也能莫逆于心。

他构图简洁,色彩明快,以简驭繁,以静制动,深得中国文人画阴阳虚实、逸笔草草、以少少许胜多多许之三昧。宁静、幽远、含蓄的画面,带给人淡淡的惆怅,又唤起人对生存的思索和叩问。那庭院深深深几许的深处,是落花无言水自流的空间之美,是曾映惊鸿照水来的时间之魅。那盛开在蓝天白云下的不知名的闲花野草,是自然的天籁,是生命的倾诉和呐喊。那红墙阴影下潮涌的人群,那沉重宫门里偶现的一角,是历史酸楚的回忆。景中之象,象外之意,带给人的是更多的境外之境、意外之意的审美感受。这些已经远远超出了对景写生的技术层面。

古往今来,美学家都在讲气韵生动,有人说:气韵,就是会用气,也有人说:气韵,是一种独特的意境或韵味,这都没错。一幅优秀的作品若能达到气韵生动,那就是大成,关键是怎样才能生动?这不只是单纯地光低头画画不看路,还要增加自身内在的文化素质和修养。中华民族5000年文明史,儒、释、道、医、易在历史的长河中,光辉灿烂,充满着先贤们的智慧和才学,我们要继承和发扬,深度地挖掘民族的文化遗产,并融会贯通于作品中使画面呈现出一种鲜活的生命洋溢的状态,才能达到形神兼备,气韵生动。

这听的,便是各家声音不同的用线。

二是他作品中所透出的神性。

他使用具有中国气派、中国风格的画框,如长幅、横幅、斗方、条屏来进行创作。注意光影、明暗、虚实、繁简、疏密、色块、线条的对比,使之服务于自己的智慧和激情,挥洒自如地用这些因素表达他心灵之眼看到的自然。因而他的写生不再是客观景物的简单再现,而是气韵流动、生机无限、诗意和哲理交融的抽纯的视觉形象,有着宋元山水画的意境之雅和明清花鸟画的生气之逸。

郭有河写于唐山

当然,山水画不止用线,也用点、用色,但点和色与线条皴法同理:米家点和苦瓜和尚点便大异其趣。

他的画具有神性,但不是对神的传说的叙说;他的画具有宗教性,也不是对某种宗教的依皈。

他画得轻松,画得自然,画得踌躇满志。绘画的工具在他手中已成了庖丁的解牛之刀,自然景物在他神遇下已非全牛。技术对心灵的制约和系缚消解了,绘画成了一种随心所欲的精神游戏。但是他又画得非常的理性和严谨,你会感到他就像安排一方篆刻一样安排他的画面,构思一幅山水一样构思他的作品,创作一幅花鸟一样创作他的画面。他注意边框而不囿于边框,他的画面仿佛是截取了无限空间中的一隅,定格了无穷时间中的一刻,虽然是有限的画面,却给你无尽的时空之感。

2011年10月18日

所以,西画好比西方话剧,是舞台上的电影,而东方戏剧,则是舞台上的音乐与舞蹈,这就好把同一个景色照片和木刻之间的差别了。

神性,是对知性的超越。我们总以为通过知识可以解释世界上的所有问题,其实这是人类自大的表现,莽苍的世界有无数神秘的不可知的领域,人的精神世界有无限的幽暗的冲动。

中国的生命哲学和艺术哲学,十分重视虚、静。老子说致虚极,守静笃,又说重为轻根,静为躁君,静胜躁,寒胜热,清静为天下正。但这种静是与动相对而言的,是静中有动,动中寓静、动极而静,静极而动的静,因而中国的园境、画境无不是文人虚静心境的一种表现。浩昌的绘画,给人以静美的感觉。他喜用蓝、绿、棕、灰、紫、土黄,并用心画出它们在阳光下的各种调子和在画面的美好对比,以此构成一幅幅宁静和谐的画面,让人在烦嚣生活中疲倦的心灵得到慰藉。在他的第十田园、景观北京、山水间、园林、云南作品等系列中,我们会看到他常常以大片的平涂画出蓝、灰蓝、碧蓝、紫蓝色调的天空,以此为背景,用奔放、跳跃、流动的笔触画出蓬勃生长的树木,或者是灿烂开放的花朵。天空的静穆高远和草木的轮回荣枯形成无限和有限、永恒和短暂、虚静和流动的强烈对比,带给人生命意识和宇宙意识的深思。

武当山写生作品

算来刚好30年前,我在人民文学出版社有幸目睹了据说是中国幸存的六部四色(加墨则五色)水印版《芥子园画谱》,我才明白我们临写一色雕板印刷的《芥》谱是完全被误导了:真正传神的《芥》谱,线条条条会说话;简单的朱、褚、青、绿四色也会说话因为是水印,墨和线全部能分五彩。

神性,又与俗性相对。人生活在凡俗世界中,都是俗子,时空的限制,生命的弱点,沉泥其中,被琐屑和浅陋包围,生命便暗淡无光。神性似引来天国的光影,荡涤凡俗的沉闷,放出光明,照亮自己,也照亮他人。神性更是一种理想的牵引,给人以超越的启迪。艺术中追求神性,其实是价值的实现。

要达到上述境界,单有艺术的天分和纯熟的技法是远远不够的,它还必须具备对传统文化和民族精神的深刻领悟,对时代思潮和民众审美的高度敏感。浩昌是做到了这一点的,他以文人身份画的油画和他在油画的文人化方面做出的可贵探索和实践,带给艺术界多方面的启示。已过而立之年的他,来日方长。期望到四十而不惑时,他能取得更大的成就。

太子洞规格:25cmx25cm纸本创作年代:2010年

好,话说回来,山水画家画山不象山,画水不象水,还叫画家么?当然不叫,因为没入门,线条为造形服务,图式、造型还是要的;但重要问题在于:造型已退居二线,赏画人(而不是买卖画的商人)看重的第一是画家的线条修炼(例如笔力),以及其后或其上的学养、意境以及由此构成的气象和神韵。

神性当然不是将自己拔出世界,不是对生活的拒绝,对人生命的漠视,而是还归人的本性。脱略凡尘,是为了更好地存于凡尘;瓣香崇高,是为了安顿当下;超越的情怀腾腾而起,是为了轻轻落于大地。

陈孝宁 2011年4月18日于宁静庐

南岩龙头崖规格:25cmx25cm纸本创作年代:2010年

以前,吴子英画国画,那应该是较早的事情,他还不大的时候,他的师公陆俨少和父亲吴静山已经教他坚持画是一点点写出来的,当然,悟懂这个过程是要许多年前。

浩昌先生说,我希望我的画是简约的、美好的、向上的、阳光的、有希望的、可以期待的状态。人生不一定都是美好的,但我们去画美好的事物。读他的画,总有一种欣喜。他绚丽的色彩感所创造的世界,如落霞浮浦,春虹饮涧,给你一种亮丽的感觉。这可能是每一个看过他画展的人都有的体验。他享受画的过程,玩味绘画这一人的生命初始语言绘画不同于文字以及其他记号、符号,它是一种呈现生命的直接语言。他享受绘画,也享受着生命。

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